A l’occasion des Photaumnales, Festival de Photographie en Hauts-de-France, qui se déroule du 20 septembre au 31 décembre 2025, Antoine Le Roux diplômé du Master Photographie en 2014 présente son projet « Traversées » à Beauvais, Parc de la Gare, Avenue de la République.

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Antoine Le Roux a répondu à quelques questions au sujet de cette exposition.

Comment est venue l’idée du projet « Traversée » ?

L’idée de ce projet est de l’histoire très ancienne, elle est notamment liée à la recherche que j’ai mené pendant mon mémoire de Master à Louis-Lumière. La question principale est celle du contrôle de la fabrique des représentations : qui décide de dire quoi sur qui ?

Quels furent les enjeux de création autour de votre projet ?

L’enjeu principal qui découle de la question que je pose concerne le point de vue. Dans le cas des aires d’accueil des Gens du voyage, qu’est-ce que je photographie et comment je le photographie? Car avec les communautés des Gens du voyage, on est face à une espèce de poncif, presque un « genre » photographique. Comment sortir de cette iconographie stéréotypée ?

Comment avez-vous pensé l’exposition ?

Pour l’exposition, j’ai tiré une série de la matière rassemblée dans le cadre d’une commande passée par la FNASAT-Gens du voyage et financée par le Ministère de la Culture. Cette série consiste en un ensemble de 12 rochers, de ceux que l’on trouve aux abords immédiats des aires d’accueil, et ces rochers seront présentés en grand format en extérieur. Mon but est de créer un trouble, qui s’installe d’abord par le fait d’être confronté à un objet aux proportions massives, qui s’installe par le fait d’avoir son champ de vision bloqué. Les questions que l’on se pose viennent ensuite.

Présentation d’Antoine Le Roux : 

Depuis plusieurs années, Antoine LE ROUX utilise la photographie pour questionner son rapport au territoire en explorant les espaces habités par les personnes Roms, Manouches, Gitanes et Voyageurs en France. En 2020, il entreprend de documenter les portions de ville où les aires d’accueil sont aménagées, en traquant dans le paysage les signes qui font souvent d’elles de véritables enclaves. Sa démarche tient dans une question simple : comment est-ce possible qu’en tant qu’usager de la ville il n’ait jamais la possibilité de traverser ces espaces ?

Tenter de répondre à cela par la photographie revient à interroger le pouvoir des représentations, en particulier visuelles. Par ce qu’elles montrent, mais aussi par ce qu’elles ne montrent pas, les images dissèquent, scrutent, et paradoxalement rendent visibles ce qui ne l’est pas. Entre la clarté de l’approche documentaire et la capacité de faire sens par la collection, Traversées s’offre comme un défi à l’imaginaire. Car prendre en photo des objets toujours de la même manière est simple. On applique un procédé et on le répète. Mais ce qui intéresse l’artiste, c’est ce qui se glisse en creux et qui vient mettre en tension notre point de vue. Ces rochers, qui semblent avoir toujours appartenu au paysage où ils se trouvent, nous sont très familiers.
Mais leur présence ne signale-t-elle pas quelque chose de plus précis ?

Julie BALAGUÉ exposera son travail Anatomie de l’invisible à la Chapelle Saint-Louis de l’Hôpital Pitié-Salpêtrière du 3 au 30 novembre.

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Julie Balagué, née en 1986 et diplômée de l’École nationale Supérieure Louis-Lumière, allie une carrière dans la presse nationale (Le Monde, L’Obs, etc.) à des projets photographiques personnels. Féministe engagée, elle explore la féminité et la maternité à travers des séries comme Moi(s) et Mater. Sa pratique s’émancipe du genre documentaire, notamment avec sa découverte des zones pavillonnaires Levitt, qui inspire sa série Pursuit of happiness présentée aux Rencontres d’Arles. En 2017, soutenue par la Commande des Regards du Grand Paris elle réalise Utopie/Maladrerie intégrant la sculpture à sa pratique photographique.

Lauréate de la bourse Radioscopie de la France en 2022 pour son travail sur le harcèlement scolaire, l’artiste développe une approche où l’image s’associe à l’écrit et au son, questionnant l’objectivité photographique. Ses recherches récentes se concentrent sur les matières et les formes photographiques, donnant du volume à ses images et engageant le spectateur dans une exploration des limites de la représentation photographique.

Du célèbre Cancan, qui sera bientôt inscrit à l’inventaire national du patrimoine culturel immatériel, aux cabarets militant pour les droits des LGBTQIA+, en passant par la scène drag contemporaine, le cabaret est resté, depuis le XIXe siècle, un espace de liberté, de subversion et de créativité profondément ancré dans la culture française. Lieu de spectacle, de transgression et de convivialité, il continue d’incarner un théâtre des possibles.

C’est cet univers que Frédéric Stucin a exploré en Normandie. Plutôt que de capter l’intensité du spectacle sur scène, il préfère révéler ce qui précède ou suit la performance. Les artistes posent hors cadre, dans les coulisses ou les interstices du quotidien, éclairés au flash, dans une atmosphère flottante, presque irréelle.

Quelques questions posées à Frédéric Stucin :

Comment est venue l’idée de ce projet ?

 Je travaille sur le Cabaret à Paris depuis bientôt trois ans (Madame Arthur, Michou, la Barbichette…). J’ai eu envie d’aller voir ce qu’il se passait sur un autre territoire, sachant que l’on peut trouver presque 200 cabarets en France,

Quels furent les enjeux de création autour de votre projet ?

 J’ai essayé de montrer toute la diversité du Cabaret (le traditionnel, le Cancan, les transformistes, les créatures) et de présenter les lieux eux-mêmes. L’exposition a été pensé avec le Directeur Artistique du festival Lionel Charrier et nous avons voulu présenter de grandes images.

Peut-on y lire des traces votre passage à l’École ?

 Je ne sais pas si on peut lire des traces de mon passage à l’ENSLL. Peut-être dans le fait que je travaille à la chambre numérique, ce qui n’est pas une mince affaire technique.